Como criei uma ilustração: composição, equilíbrio da cena e ajustes nos personagens
Uma ilustração raramente nasce já definida. Mesmo quando a ideia parece clara na cabeça, a cena começa a revelar problemas assim que vai para o papel ou para a tela: um personagem 'pesa' demais, outro parece perdido, o fundo compete com a ação principal. Ah, as 'agruras' de ser ilustrador. Rsrs!
Por isso, é sempre importante avaliar o que vai ser feito, pesquisar, pensar em como dispor os personagens, o cenário e os elementos.
Se preferir, gravei esse making of em vídeo, mostrando as etapas do desenho, as decisões que tomei e a finalização. Você pode assistir aqui: processo completo da ilustração no YouTube.
A ideia inicial precisa 'caber' dentro de uma cena
Quando começo uma ilustração, tento não pensar só no personagem isolado. O personagem precisa ter sua própria personalidade e o seu ambiente. E é através da sua forma, roupas, cabelo, postura, acessórios, também cenário e elementos no entorno que conseguimos passar a ideia de quem ele é.
Mas a pergunta principal é: o que a cena precisa comunicar? Essa é a principal função da ilustração de livros infantis.
Antes de entrar nos detalhes, busquei entender:
qual era o objetivo da ilustração;
como os personagens se relacionavam;
pesquisa sobre os personagens e o ambiente;
onde o olhar deveria chegar primeiro;
que tipo de sensação a composição precisava passar;
quais elementos poderiam apoiar a narrativa sem roubar atenção.
Esse tipo de decisão vem antes do acabamento. Se a base da composição ficar meio 'fraca', pintar não costuma resolver.
Por isso, a fase inicial foi mais solta: usei o esboço para testar a estrutura da imagem, não para acertar cada detalhe. Nessa etapa, o desenho ainda pode mudar bastante. Na verdade, é agora que tem que mudar tudo. Depois que pintamos, fica bem mais difícil.
No caso dessa que fiz, a personagem, sentada, precisava aparecer mais para criar mais identificação com o leitor. E então mudei.
Composição é 'direção' do olhar
Composição não é só “arranjar” os elementos na cena. Ela guia quem vê a imagem.
Se todos os elementos competem pelo mesmo espaço, a imagem perde força. Se tudo tem o mesmo peso, nada se destaca.
Para evitar isso, pense na cena como um caminho visual. O olhar precisa entrar por algum ponto, encontrar o foco principal e depois explorar o restante da imagem com naturalidade.
Algumas escolhas ajudam nesse caminho:
contrastes de claro e escuro;
diferença de tamanho entre formas;
direção dos gestos;
linhas criadas por braços, roupas, objetos ou cenário;
espaços vazios que deixam a imagem respirar;
sobreposição entre personagens e elementos do fundo.
No meu processo, percebi que a posição inicial dos personagens não estava entregando a leitura que eu queria. Eles estavam ambos na cena, mas ainda não conversavam bem entre si. A menina parecia distante, uma vez que, sem ver o rosto dela, ela parecia misteriosa. E não era isso que eu queria transmitir.
Equilíbrio não significa simetria
Um erro comum é confundir equilíbrio com simetria. Uma cena pode ser equilibrada sem ter os elementos distribuídos de forma igual dos dois lados.
Na verdade, composições muito simétricas podem ficar rígidas e/ou estáticas, dependendo da intenção. Elas funcionam muito bem em certas imagens, mas nem sempre ajudam quando a cena precisa parecer viva ou dinâmica.
No caso desta ilustração, busquei um equilíbrio mais orgânico. Isso quer dizer que um lado poderia ter mais peso visual, desde que o outro compensasse com algum elemento importante. E sabe o que te ajuda nisso? Vire a imagem de cabeça para baixo. Se tiver alguma coisa que não está bem distribuída, virar a imagem ajuda a gente a perceber isso.
Mas esse peso visual pode vir de várias coisas:
uma figura maior;
uma área mais escura;
uma cor mais intensa;
uma pose mais aberta ou um gesto mais expressivo;
um objeto com forma marcante.
Esse é um ponto que considero essencial em uma composição: cada elemento precisa parecer estar ali por um motivo.
O making of mostra as decisões que ficam escondidas
Quando vemos uma ilustração finalizada, é fácil imaginar que o artista seguiu um caminho direto. Ideia, esboço, linhas, se for o caso, cor e acabamento. Mas o processo real nem sempre é tão regular.
No making of, gosto de mostrar justamente essas mudanças. Elas revelam que desenhar também é repensar, adicionar e até eliminar.
Muitas decisões acontecem enquanto a imagem está em construção:
apagar uma pose que parecia boa;
reduzir a importância de um elemento;
mudar o ângulo de um rosto;
reposicionar personagens;
simplificar uma área que estava chamando atenção demais;
reforçar o contraste onde o olhar precisa parar.
Essas escolhas não aparecem na ilustração finalizada, mas dão estrutura ao resultado. São, sim, chatas de se fazer. Mas é para isso que os ilustradores existem.
No vídeo, eu mostro também como foi a pintura, o que fiz antes, as camadas, os detalhes com lápis de cor.
Trabalhei com a ideia de contraste entre áreas mais detalhadas e áreas mais tranquilas, porque isso ajuda a composição a ficar mais definida.
Algumas dicas que ajudam nessa etapa:
concentrar detalhes perto do foco principal;
evitar contrastes fortes em áreas secundárias;
usar luz e sombra para separar planos: isso ajuda a mostrar o que está perto e o que está longe;
não deixar o fundo disputar com os personagens.
A criação de uma imagem não é uma linha reta. Ela envolve tentativa, erro, correção e escolhas. Muitas vezes, o resultado final depende menos de uma grande ideia e mais de pequenas decisões bem observadas e bem executadas. Na verdade, muitas vezes imaginamos uma coisa mas, no final, a ilustração fica diferente.
Se você também cria ilustrações e, se quiser ver como essas decisões apareceram na prática, assista ao making of completo da ilustração. Lá eu mostro o processo e a finalização da cena.
Uma ilustrada semana!
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